シンガー・ソンングライター兼ギタリストのSaigenji（以降サイゲンジ）が、ポップス回帰のニュー・シングル『You can fly again』を、デジタル配信で7 月16 日にリリースした。 2023年6月にリリースしたカバーとオリジナル・インスト曲をコンパイルした『COVERS & INSTRUMENTALS』以来の新作となり、今回は彼の初期作に通じるので紹介しよう。
本作で注目すべきは、アメリカはボストン在住で、かのバークリー音楽大学（Berklee College of Music）でアジア人初の助教授となった、YUKI KANESAKA（Yukihiro Kanesaka）とのコラボレーションである。彼はアレンジャー兼トラック・メーカーとして全面的に参加し、自身が所有するボストンのプライベート・スタジオでトラックを製作して、日本側ではサイゲンジのホームであるスタジオ・ハピネスでギターと歌入れするという二元レコーディングが敢行され、マスタリングはニューヨークという拘りで完成させたという贅沢な一曲になっているのだ。
サイゲンジの久しぶりのオリジナル曲としてソングライティング的には、「走り出すように」（『La Puerta』収録/2003年）や「Breakthrough The Blue」（『Acalanto』収録/2005年）、「Sunrise」（『Music Eater』収録/2006年）と彼のソロ活動初期に通じる、MPB（ブラジリアン・ポピュラー・ミュージック）とニューソウル（Stevie Wonderなど）を融合させた、独特なコード・プログレッションやリズム感覚である。そんなサイゲンジ・サウンドにKANESAKAがもたらしたのは、プロデューサー“YUKI KANESAKA”、マルチインストゥルメンタリスト“monolog”、ビートメイカー DJ “U-Key” と複数の肩書きで活動する、マルチタスクなクリエイターとしての感覚だろう。本作でも打ち込みのロールするキック（バスドラム）やスネアのビートに、生演奏のパンデイロやアゴーゴーベルなどブラジリアン・パーカッションが絶妙に融合した有機的なトラックを聴けるが、彼だからこそ生み出せられたと考えられる。
続く「夢の隨に」は、blue-very label中村の作詞、高口の作曲による60年代ガールポップ系のビート感のある失恋ソングだ。中村によるサビの英語詞のリフレインは、メロディとマッチして処女作としてはまとまっている。1コーラス目終わりのギターリフが、フランソワーズ・アルディの「Comment te dire adieu（さよならを教えて）」（1968年）を意識していて、サビのメロディはクリストファー・クロスの「Arthur's Theme（Best That You Can Do）」（1981年/アカデミー主題歌賞獲得）を彷彿としていたりと、ポップスの構造として凝っている。イントロの左右2チャンネルのアルペジオをはじめ、全編でキモトがエレキギターをプレイしている。
「forget me not」は前説明の通り、小林のソングライティングで彼女のセカンド・アルバム『The Wind Carries Scents Of Flowers』収録曲のカバーである。オリジナルはThe Laundriesの遠山幸生によるエレキギターをフューチャーした硬質なネオアコ・サウンドだったが、ここではブルース系シャッフル・ビートで、ボーカルと全ての楽器を高口が一人で担当したワンマン・レコーディングで完成されている。オリジナルでサウンドプロデュースを担当した本人が、全く異なるスタイルでアプローチしているのは興味深く、彼の幅広い音楽性を現わしている。
昨年のキャンペーンでファースト・シングル『ローマでチャオ/ヘンな女の子』を取上げたWink Music Service（ウインクミュージック・サービス/以降WMS）は、同年7インチでリリースした3作の『素直な悪女/ラ・ブーム ～だってMY BOOM IS ME～』、『Fantastic Girl/Der Computer Nr.3』、『ミツバチのささやき/ロマンス』を今年はエントリーしている。それぞれタイトル曲とカップリング曲に各インスト・ヴァージョンの計4曲を収録しており、7インチを所有するファンにもコレクターズ・アイテムとして必携である。
この曲を聴いてポップス・マニアは直ぐに分かると思うが、サビのオマージュ元はフランキー・ヴァリの「Can't Take My Eyes Off You」（1967年）だろう。ここでのカバーはオリジナルと異なり、このキャッチャーなサビを冒頭に持ってきて聴き手にインパクトを与えているのがグッドアイデアだ。基本アレンジは完成度が高かった原曲を踏襲しながら、コーラスやギター・カッティング・パターンを変え、シンセ・ドラムのアクセントを入れている。
カップリングは、ムーンライダーズが1986年にリリースし、筆者が最高傑作候補に挙げる『Don't Trust Over Thirty』のB面3曲目に収録された「A Frozen Girl, A Boy In Love」（作詞：滋田みかよ）のカバーである。ここでは同曲の作曲者でライダーズの武川雅寛がヴァイオリンとコーラス、また昨年古希を迎えた鈴木博文もコーラスでゲスト参加するという豪華さである。アレンジ的にはオリジナルより音数を減らしテンポをやや下げて空間を活かし、まゆたんとルカタマの個性あるボーカルのコントラストがより楽しめる。先人二方のコーラスもこのボーカルを引き立てながら、各々爪痕を残すパフォーマンスをしているのが、らしくて嬉しくなる。
今日、Brian Wilsonの音楽は改めて再評価され、若い世代にとっても新たな発見の対象となってきた。その理由は、彼の作品が単に懐かしさやノスタルジーに訴えかけるものではなく、音楽という手段を通して人間の感情、記憶、そして再生を描いているからだ。Brianの音楽は、私たちに問いかける——人生の痛みをどう乗り越え、どのように希望へと変えていくか。 Brian Wilsonは、単なる天才ではない。彼は、一族の歴史と米国の理想、ポピュラーミュージックの可能性と限界の狭間で、孤独にして壮大な戦いを繰り広げてきた存在だ。音楽という武器で、彼は“戦った”のではない。“語り” “許し”、そして“夢を見た”。Brianの出自と重なる米国西海岸という土地も、彼の音楽性を語る上で欠かせない。太平洋の広がり、陽光、そして新天地としての自由。西海岸は常に、米国人の理想と幻想が交差する場所であった。Brianはそこに現実と幻想の境界を曖昧にするような音楽を描き出し、西海岸の風土と精神を音に変えた。
If there were a single spot on the musical map of America that gleamed more brightly than the rest, it would surely lie upon the sun-drenched shores of California, along the undulating edge of the western coast. One of the stars to mark that sacred coordinate is, without question, the figure of Brian Wilson. Yet his brilliance was not born of immediate blessing. Rather, its origin lay in the dust-choked hinterlands of the American Midwest. The Wilson family, wearied by the capricious weather and the monotony of agricultural toil, ventured westward in search of renewal. The American ideals of freedom, release, and new beginnings shimmered before them as a guiding light, their journey steeped in sweat and sorrow.
California was to be the promised land. And yet, what awaited was not paradise, but economic hardship, societal indifference, and mounting pressure within the family itself. Brian's father, Murry Wilson, having laid aside his own musical aspirations, channeled that frustrated passion into his household. Under his stern, at times violent, regime, young Brian sought solace in sound alone. At the piano, by the seaside, through the crackling of magic transistor radio, he began constructing a utopia of his own design. But this escape was no untroubled reverie. Attaining fame in his youth, Brian would soon find himself beset by profound mental afflictions. Schizophrenic episodes, auditory hallucinations, and crushing anxiety took their toll, further complicated by the lure and subsequent dependence on narcotics. Behind the image of the musical prodigy was a young man besieged by loneliness and confusion.
His music, then, is no mere confection of pop. Amidst the so-called "British Invasion" of the 1960s, wherein English bands stormed the American soundscape, Brian Wilson emerged as a singular force. Not by retaliation, but through the forging of his own sonic cosmos, he preserved the essence of American musical spirit. The album Pet Sounds stands as the very embodiment of this endeavour. Its harmonic complexity, its symphonic interplay of animal calls, orchestration, and rock instrumentation, left listeners—particularly the British—utterly astounded. "So music," they thought, "can reach such depths and breadths."
Yet Brian's musical vision was not merely futuristic. It bore within it the DNA of pre-war American popular music—the melancholy and elegance of Gershwin and Berlin, the exuberance of boogie-woogie, the sweet and ludicrous harmonies of doo-wop, the liberty of jazz. His compositions wove the American musical lineage into a multidimensional tapestry. At once, it resembled the chronicling of a family history. The journey of the Wilsons westward in pursuit of hope mirrors the very mythos of America itself. And Brian, in turn, drew out that myth in tones and melodies. Smile, though taking years and many hands to reach fruition, was nothing less than the spiritual frontier that America found upon arriving at the western edge.
Listen closely, and one hears in his music a mingling of brightness and sorrow. A melancholy nested in the melody, a depth revealed in the layered vocals, an unpredictability wrought by modulation and harmonic divergence. It is music suffused with the uncertainty of love and the wilful insistence upon believing in it nonetheless. The flush of young romance collides with the nostalgia of a lost "in my childhood". Beneath the surfboards and shimmering waves lie unresolved tensions with his father, fraternal conflict, and inner despair—all transfigured into music. As though life itself had become a symphony.
His brothers, too, exerted profound influence on his creations. Carl Wilson's tender voice and Dennis Wilson's wild, romantic spirit formed a counterpoint to Brian's delicate craftsmanship. Their union lent The Beach Boys a unique expressive power. Yet familial bonds are double-edged; the very closeness that birthed beauty also gave rise to fracture.
Today, Brian Wilson's work is experiencing a renewed appreciation, even among younger generations. This owes not to mere nostalgia, but to the fact that his music, through rhythm and harmony, engages with the full range of human sentiment: memory, emotion, and renewal. His songs ask us, again and again: how do we bear life's pain, and by what grace do we transform it into hope?
Brian Wilson is not simply a genius. He is a man who waged a vast and lonely battle at the intersection of familial legacy, American ideals, and the boundaries of popular music. He did not so much fight with music as he spoke with it, forgave through it, and dared to dream. The West Coast, his spiritual and geographical home, is crucial to understanding his voice. The Pacific's expanse, the ceaseless sun, the land of liberty—this coast has always been the site where America lays its hopes and illusions. Brian blurred the line between dream and reality, turning that coast's atmosphere into sound.
And that dream continues to echo across time. As we listen to his music today, we might feel we are once more touching the soul of a nation: its hopes, sorrows, kinships, freedoms, failures, and rebirths. The endless sky and horizon seen by those who journeyed west—Brian's music dwells just beyond them. His gift seemed to transcend the human, as though he reconfigured the structure of the world through music. Yet that very luminosity may have exacted a terrible price: to bear the pain of living in this world while channelling another.
That ineffable harmony heard by him alone, in a moment not meant for earth. Brian Wilson was, perhaps, a being chosen by something beyond, descending briefly from heaven to share with us his sound. His eighty-odd years upon this earth, for all their length, may have been naught but a fleeting sojourn—a mere vocal warm-up for performing the celestial.
—And as we bring this reflection to a close, one point remains unresolved, stubbornly lingering. Namely: what was the one food that Brian Wilson loved above all others? Alas, this author has failed to unearth the answer.
To ask such a question—"What is your favourite food?"—of Brian Wilson, head bowed over a piano, softly playing the chords of "Surf's Up"—is surely inapt, graceless even. Yet someone ought to have asked it. Was it a sandwich? A milkshake? A west-coast hamburger redolent of youth speeding down Hawthorne Boulevard"Fun,Fun,Fun"? An ice cream sundae shared with "Hot Rod head"Roger Christian during a night of fervent conversation?
We shall never know. That morsel of knowledge is lost to time.
His music teaches us the intricacies of life through every chord progression, every timbre, every emotional turn. But his truest craving—his deepest hunger—remains beyond the stave. Had we known, -wouldn' it be nice?-perhaps we might have tasted one final spoonful of his soul.
But then again—perhaps mystery is part of the divinity. And thus, one more eternal enigma is folded into the myth of Brian Wilson, never to be dispelled.
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