ジャズヴォーカリストの伊藤ふうかと、作編曲家でギタリストの洞澤徹が２００５年に結成したアコースティック・ユニット"manamana（マナマナ）"が初のフルアルバム『空のとびかた』をリリースする。２００８年のミニアルバム『光る石』からサウンド的にも幅を持たせ、味わい深くなった今作は、これからの季節に聴くのにぴったりのアルバムかも知れない。
ここではメンバーでアルバム全曲の作編曲を手掛けた、洞澤氏に話を聞いてみた。

洞澤徹（以下Ｈ）：特にはっきりとしたテーマはありません。あえて言えば「はじめまして、manamanaです」といった挨拶的な感じでしょうか。前作は完全自主制作で流通もごく一部のみでしたので、今回が全国的には名刺代わりになるのかなと。
昔からお世話になっているハピネスレコードからmanamanaで一枚出さないかとのお話をいただいたので、今までの自信曲をさらにブラッシュアップしたものと、できるだけ多くの人に受け入れられつつ、今やりたいと思う曲を数曲作り、manamanaらしさを全面に出すために仕上げようと思いました。

Ｕ：なるほど、では率直に言って、manamanaらしさとはどういったことだと思いますか？
結成時からヴォーカルのふうかさんとのコラボレーションで得られた世界観とは？

Ｈ：manamanaらしさとは、僕にとって伊藤ふうかの歌の魅力が一番伝わる形のポップスだと思っています。僕はコラボレーションするヴォーカリストにより曲やアレンジをかなり変えていくのですが、彼女の場合、言い方は悪いかも知れませんが、どこか枯れた感じというか、暖かさの中にある寂寥感を感じるので、それをうまく楽曲で活かすのが「らしさ」かなと思っています。
得られた世界観は"暖かさと寂寥感の狭間に揺れるノスタルジー"
ん～難しくなっちゃった。言葉が下手なものですみません(笑)

Ｕ：前作からサウンド的にもカラフルになっておりますが、曲作りやアレンジをする上でのヒントになったポイントや苦労話などをお聞かせ下さい。

Ｈ：いろんな曲を聴いて、アレンジや曲作りの参考にしましたが、フレーズや音色そのものを引用するというよりは、その曲を聴いて頭に残った残像の雰囲気を大事にインプットしました。アルゼンチン音響派のアーティストとかよく聴いていたような気がします。
参考にしたのはやはりアレンジそのものより、ちょっとした肌触りみたいなもの。
難しくならないように、聴き易さというポイントを重点に置いて。
本来アレンジに必要以上に凝るのはあまり好きじゃないです。歌がよく聴こえるアレンジは好きだけど。それと違う例としてはハピネスの平野さんと飲んでいるとき、「すごくいいチェリストがいるよ」って言われて、僕もチェロの音色が好きだから「じゃ、チェロが入るアレンジをやろうかな」というノリもなかにはありました。

Ｕ：アルゼンチン音響派というとファナ・モリーナやフローレンシア・ルイスですか。音像の感触には独特なものがありますね。
また外部スタジオのエンジニアである、平野さんからのヒントも興味深い話です。
今回ベーシスト（ウッドベース）とドラマーが参加した経緯も同じ様なエピソードですか？

Ｈ：ファナ・モリーナやリサンドロ・アリスティムーニョという人の「３９°」というアルバムをよく聴きました。
ベーシストとドラマーも平野さんに紹介していただきました。ハピネスでは他のアルバムでもバリバリ録音されている方たちですので、腕も達者ですがこういった曲の雰囲気を理解してもらうのが早かったです。

Ｕ：作詞を担当している、ふうかさんとは分業作業だと思いますが、洞澤君から特にサゼッションしたことはありましたか？

Ｈ：基本的にデモを聴いてもらって、湧いたイメージで自由に詞を書いてもらいます。
言い方は悪いですが「丸投げ」です。特にできあがったものを「ここ変えたら？」ということもないですね。でも彼女は自分なりにとっても考え抜いて詞を書いてくる。
作詞の経験はmanamanaで初めてらしいですが、アーティストが考え抜いて出してきた詞はそれがすべてだと思います。一度くらいデモテープ渡すときに「この曲はこんな世界観でいったらどうだろう？」くらい言ったことはありますが。

Ｕ：レコーディング中のエピソードなどは？
それがアルバム作りに影響を与えたことなどはありましたか？

Ｈ：今回も前作に続き大枠は自宅録音なので、自分のパートにおいては気に入らなかったら延々録り直し、録音しながらミックスもまとめて、ミックスも延々直すといった宅録にありがちな延々地獄に一度ははまりました(笑)。
ミックスまでやるというのは大変ですけど（苦手意識もあり）、最初から自分でミックスダウンまで想定した段取りで進められるし、違ったらいつでも戻ってやり直しもできるのがよいところですね。おかげでイメージ通りにはなったと思います。
少し機材の話をしますと、アルバム制作のためにマイクを新調しました。楽器屋で５、６個マイクを並べて同行したふうかさんにサビのフレーズを歌ってもらい、一番しっくりきたＡＫＧのＣ４１１Ｂというマイクを選びました。ちょっと高かったけど、このマイクのおかげでクオリティは確実に上がったと思います。ひとつでも新しい機材を用いることによってモチベーションも上がるし、新鮮さもできていますからやっぱり作り手にとって大事だと思います。商業スタジオのように一通りのマイクが揃うような環境ではないので、一つの買い物に気合いが入りますが、そこで愛せるものに出会うと作品も変わると思います。

Ｕ：アーカーゲー（ＡＫＧ）のコンデンサーマイクですね。ヴォーカリストの声の特性に合わせて選ぶのは重要ですよね。その出費も報われると思います。
収録曲について少しお聞きします。「あの場所へ」で、メロディが下降して２トラックのコーラスが入るところが凄く素晴らしいんですけど、この曲のヴォーカルトラックはいくつ使っていますか？ 曲毎で異なると思いますが、コーラスアレンジやヴォーカルトラックの構成などはどのように進めていますか？

Ｈ：「あの場所へ」のコーラスは同じハモリを２本重ねてプラグインで広げてあります。
なので、意外に少なく３トラックです。ヴォーカルトラックの構成とコーラスアレンジはすべて僕が考えてふうかさんに伝えます。
ヴォーカルテイクのディレクティングは、基本的にふうかさんを中心にやってもらって、気になるところは僕が意見を言う感じですね。

Ｕ：「雨音」の途中デュエットしている男性ヴォーカルはどなたでしょうか？
またこの曲の間奏や「微睡日和」の弦楽器はウクレレですか？非常に効果的だと思いますが、やはり洞澤君がプレイされているんでしょうか？

Ｈ：「雨音」のデュエットは恥ずかしながら僕です。歌は得意ではないのですが、サビの高揚感が欲しくて、ふうかさんの声に重ねてみたら結構悪くないなと思ったので録音してみました。「もしも」の２サビでも同じようにユニゾンで歌を重ねています。
レコーディングでは声の混ぜ具合で多少苦労しましたが、いまの録音ソフト（Protools）はいろいろ便利な機能があるので助かりました。とくにピッチ系（笑）。
ウクレレも僕が弾いているんですが、指摘していただいて素直に嬉しいです。自分でも気に入っているんです。思い出しました、「雨音」の間奏は某テレビ局のウェザーニュースのＢＧＭを聴いてインスピレーションが湧いたんです。
そういえばウクレレは「微睡日和」用に購入し、一生懸命コードを覚えました（笑）

Ｕ：タイトル曲の「空のとびかた」は、ふうかさんのヴォーカルをよく活かした音域幅ではないかと思いますが、職業作曲家でもあるということで、ヴォーカリストの個性を活かす作曲方法で心掛けていることはなんでしょうか？

Ｈ：ヴォーカリストの個性を活かすという意味では、ユニットで作曲する者にとってもとても勉強になります。最もヴォーカルのおいしいところはどこかを探って、ここ一番で使うのが楽しい。しかしながらmanamanaの場合、ある程度こういうふうに歌うだろうと想定して作曲はしますが、ふうかさんがおもいっきり自分の解釈（僕の想定外）でデモを歌ってきたりすることがあるので面白い。それが素晴らしいときがあります。
ですから最近心掛けているのは「決めてかからない」ということでしょうか。もちろん仕事で違う女性ヴォーカルの方と仮歌録音するときは、イメージがかっちり決まっているので細かく指示しますが。

Ｕ：最後にリリース後のライヴスケジュールなどをお願いします。

Ｈ：直近のライブ予定は、１月２８日に渋谷の「青い部屋」、２月１１日にやはり渋谷のdressで演奏します。それ以降は詳細決まり次第ブログにアップしますので、チェックしていただけたら嬉しいです。
今後は地方でのライブも考えていこうと思っておりますので、是非イベンターさんはお声を掛けて下さい！

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ファーストフルアルバム『ハイファイ新書』（０９年１月）で、キッチュなミューテーション型ポップスの魅力を開花させた注目バンド、相対性理論（そうたいせいりろん）が、電子音響系音楽の旗手としてアーティスティックな活動をしている渋谷慶一郎とのコラボレーションのトリプルシングル『アワーミュージック』を１月６日にリリースする。
ここでは一足早く、昨年７月にリリースした『キュプラ』が好評中で、相対性理論ファンを公言している、女性アーティストのフレネシさんと聴いてみた。

フレネシ（以下Ｆ）：そうですね、「アワーミュージック」と「スカイライダーズ」はとりわけ興味深く拝聴しました。
「スカイライダーズ」のサビからのリズム展開、「アワーミュージック」の１６ハネグルーヴは、バンドアレンジならではの聴きどころだと思います。

Ｕ：完璧に相対性理論サウンドにリアレンジされていて感心しますよね。因みにヘッドアレンジらしいですが、渋谷氏もピアノでプレイに参加していてアンサンブル的に違和感ないです。
また「BLUE」を加えた３曲では、ヴォーカルのやくしまるえつこをフューチャーした、渋谷氏のピアノ演奏によるシンプルなヴァージョンも聴けますが、そちらはいかがでしょうか？

Ｆ：マザーグース的韻踏み言葉遊びな歌詞がオリジナル曲のアブストラクトさを助長していて、「sky riders」と「our music」は日本語で言葉が乗っているにも関わらず受け手に映像的イメージを具体化させないのはさすがのセンスですよね。謎めいた余韻だけが残るというか。

Ｕ：ご自身でもシンガーソングライターであるフレネシさんに質問ですが、既存の完成されたインスト曲に歌詞を当てはめるという作業は、結構大変だと思われますがいかがでしょうか？
今回はやくしまるえつこのソロ活動でも作詞を手掛ける、ティカ・α名義になっておりますが。

Ｆ：難しいと思います。音符の数に合わせて詞を割り当てるという作業の中でどうしても字余りになったり、足りなかったりということが出てきますがかといって他の言葉では代用したくないフレーズもありますし。
また、曲そのもののリズムを損なわない譜割のセンスが問われますよね。
その上で、これまでの作品と同様に言葉遊びが盛り込まれているのには、流石としかいいようがないです。日本語版同韻語辞典、みたいなものがあるんじゃないかと思うくらいに。
私は、Cathy Claret「Les Roitelets」と、Michael Franks「Antonio's Song」に和訳ではない日本語詞をのせてカヴァーしたことがあるのですが、リズムにプライオリティを置いて区切る場所をまず明確にしてから言葉を選ぶという手順を取ることもあります。

Ｕ：恐らく渋谷氏は歌詞が乗るという前提で作曲している訳ではないから、言われるように譜割りは大変だったでしょうね。それと相対性理論ワードアーカイブからセンテンスやパンチラインを織り込んでいる点も本当に脱帽ものです。
音楽におけるアボルダージュ戦法というか、まだまだ可能性を秘めた才能だと思います。
今回のタイトルになっている「アワーミュージック」ですが、まさしく彼ら達、新たな世代による「わたしたちの音楽」という風に捉えていいでしょうか？

Ｆ：そう捉えてよいのかもしれませんね。
新たな世代の・・・という自意識はなくとも自然にそうなった的な。
００年代に湧き上がったシーンへのカウンターというよりは以前からずっとそこにあったもの、という感じもします。それをたまたま目撃した人が騒いでいるだけというか。

Ｕ：相対性理論に関しては自主制作のファーストミニアルバム『シフォン主義』（０７年,リマスター盤０８年）を初めて聴いた時、ポップスのミューテーションか？というほどインパクトを受けました。
単に私がこういったシーンに疎かったから余計に感じたのかも知れませんが、その後の展開を考えると彼らの出現は時代性と無縁とは思えないんですね。

Ｆ：私もこういうシーンにはめっぽう疎いのですが・・・。
００年以降台頭したほっこり系のカフェミュージックにも、またビートありきのエレクトロミュージックにもピンと来るものがそれほどなかったのですが、その理由はそうしたサウンドにポップである必然性がなかったからなのかも知れません。

Ｕ：そもそもフレネシさんが、彼らのサウンドに出会ったきっかけはなんだったのでしょうか？

Ｆ：あれは忘れもしない昨年の１月９日。会社の友人が「理論の新譜（『ハイファイ新書』）出たけど聴く？」と貸してくれたのが最初の出会いでした。実は『シフォン主義』がリリースされたとき、話題になっていたにも関わらず私は全くその存在を知らず「理論ってなぁ～に」という感じでした。
全くの後追いではあるのですが、このアルバムを聴いて以来すっかりファンになってしまいました。中でも『ハイファイ新書』の「ふしぎデカルト」がツボでした。電子音の使い方がお洒落で、歌詞も何とも掴みどころがなく、またギターのリフも素敵で「地獄先生」よりもこの曲がアルバムの肝だと勝手に思っていました。
そして、このアルバムを聴いた翌週に書いたのが「覆面調査員」でした。

Ｕ：凄い、そんな経緯があったんですね。「ふしぎデカルト」など『ハイファイ新書』に影響されて「覆面調査員」が生まれた訳だ。実にいい話です。
その『ハイファイ新書』から遡って『シフォン主義』を聴かれたご感想は？
またアルバム単位でのサウンドの変遷についてはどう考えますか？

Ｆ：『シフォン主義』では、「スマトラ警備隊」が特に好きです。
このアルバムは、オルタナに振り切ったサウンドであるにもかかわらず、この上なくポップな歌モノであることが素晴らしいと思います。
『ハイファイ新書』は、『シフォン主義』からは衝動と理性のバランスが大きく変わったのかな、と感じました。

Ｕ：そうですよね、『シフォン主義』ではオルタナ色が強いギターサウンドが利いていました。私が当時のレビューで指摘したのが、まるでジョニー・マーを彷彿させるギターサウンドの構築法だったんです。比較的アッパー・テンポの曲が多かったから、やくしまるさんの歌唱法には性急さを感じて辛そうな部分もありました。このアルバムの中では「おはようオーパーツ」が、後の『ハイファイ新書』のサウンドの布石になっていますか。
『ハイファイ新書』でフレネシさんが指摘される「衝動と理性のバランス」というのは、やくしまるさん（のヴォーカル）の魅力により比重を置きつつ、相対性理論サウンドを進化させた点ともいえますね。バンドとしてきちんと制御されているというか。
ではこれまでのお話を踏まえて、アーティストとして彼らに対するシンパシーとは具体的になんでしょうか？

Ｆ：うーん、何でしょうか。友達がいなさそうな音楽、という点でしょうか。
（実際彼等に友達がいないというわけではないと思いますが）
○○系やアンチ○○系など、群れることを目的とした音楽には、ここに属していますという符号ばかりが表立って強調されてパーソナルな部分があまり重視されていないように感じるのですが、彼等の音楽にはむしろそのパーソナルな部分だけがあるように感じたのです。
圧倒的なオリジナリティはそういうところから来るのかもしれません。
私もまた、そうでありたいと思っています。

Ｕ：面白い表現ですね（笑）。確かに相対性理論やフレネシさんのセンスは、マイノリティゆえに研ぎ澄まされた感性の賜じゃないかと思います。唯一無二のオリジナリティをクリエイトするには、知己を得るばかりではなく、自分自身の感性を磨くことが重要かも知れません。
最後に最近のフレネシさんの活動などについてお願いします。

Ｆ：『キュプラ』リリース後にライヴ活動をいくつかやっていましたが、当分はお休みということで、年明けからしばらくは制作に入ります。
出版物関係では『文化系女子のための少女漫画案内』に執筆参加しました。

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流線形 クニモンド瀧口 インタビューVol.1からの続き
http://www.webvanda.com/2009/10/post_24192107.html

クニモンド瀧口（以下Ｔ）：比屋定さんは大貫さんのものまねが得意なんですよ（笑）。普通に歌うとそっくりになってしまうので、この曲は大変でしたね。まぁ、やっぱり似てしまうんですが。
この曲は僕のリクエストでした。『Sunshower』の中で一番好きなんですよ。
言葉が少なかったり、スリリングなアレンジだったり、グルーヴ感があったり、飽きない曲なんですよね。それを自分でやったらどうかな？ということでやってみました。

Ｕ：声質の系統が大貫さんと近いんでしょうね。天性の才能だと思います。
今回のカバー・ナンバーの中で異色なのが、八神純子さんの「サマーインサマー ～想い出は、素肌に焼いて～」（８２年）だと思うんですが、瀧口さんご自身、思い入れがあるのでしょうか？　またオリジナルでは８０年代初期のロック・テイスト（ギターは松原正樹、ベースは後藤次利だったかな？）を持ちつつ洗練されたサウンドでしたが、ここではアニー・アイズレー風のリードギターを配しつつ、よりシティポップ的なサウンドにアダプトしていますね？

Ｔ：JAL８２年沖縄キャンペーンソングということで（笑）。この曲、当時大好きだったんですよ。
曲もいいんですが、山川啓介さんの歌詞が素晴らしいな〜と。
オリジナルは歌謡曲なんですが（でも、ベースのグルーヴとか凄いですけど）、それをもう少しバンドサウンドにした感じですかね。八神純子さんは素晴らしいシンガーだと思うんですが、比屋定さんがこの曲を歌ったらどんな感じになるんだろう？という実験もありましたね。

Ｕ：瀧口さん十代の思い出の曲なんですね。八神さんはメディアへの露出のせいなのか歌謡曲という文脈で語られがちですが、「ポーラースター」や「Mr.ブルー ～私の地球～」など、歌唱力を武器にして後世に残る名曲が多かったですね。
次にオリジナル曲について。アルバムのトップを飾る「ムーンライト・イヴニング」ですが、私個人的にはアルバム中最も好きな曲です（笑）。Dr. Buzzard's Original Savannah Band～サディスティックス（今井裕）的なサウンドが溜まりせんね。この素晴らしいチャーリー・カレロ風のホーン・スコアは瀧口さんが一人で書いたのですか？

Ｔ：ウチさんのために作りました（笑）。今井裕さん解釈のDr. Buzzard's Original Savannah Bandの部分と、Elbow Bones & The Racketeersの「Night In New York」（『New York At Down』（８３年）収録）のモチーフから作りました。もともとは違うアレンジで存在していた曲なんですが、その時のアレンジがMizel Brothersみたいな感じだったので、大きく変えましたね。
ホーンアレンジは、イメージを伝えてヤマカミさんと島（裕介）君にお願いしました。いい感じになったと思います。今井裕さんの「Cool Evening」（同名アルバム（７７年）収録）が目標だったので（笑）、スチールパンも最初から入れる予定でした。
歌詞は安井かずみさん目指したんですけど（笑）。

Ｕ：リップサービスとはいえ、恐縮です（笑）。Savannah Bandのオーガスト・ダーネル（＝キッド・クレオール）がプロデュースした「Night In New York」もモチーフの一つだったんだ！ 大好きな曲です。ＢＰＭやリズムトラックの感じは異なるけど納得ですよ。
今回の「ムーンライト・イヴニング」も、多重録音による木管と金管のコントラストが肝ですね。「Cool Evening」のプロトタイプ的な、「Far away(熱い風)」（『SADISTICS』（７７年）収録）にも顕著に現れていますが、グレン・ミラーのホーン・アンサンブルをサルソウルでやってしまった感覚にクラクラします。音楽の桃源郷とはこのことですね。
あと歌詞の世界も独特で、なんというか情緒を排除してドライな感じ。舞台はマイアミあたりで、リキュールを小道具に、勝ち気な女性が恋の駆け引きを楽しんでいるみたいな、安井かずみしているパンチラインも見え隠れしていますよ(笑)。
「あたらしい日々に」では、荒井由美時代のユーミン・サウンドの様なエバーグリーンさを感じますが、曲作りやアレンジで特に意識されたポイントは？

Ｔ：ある企業からBGMをお願いされた時にオケを作ったのがこの曲なんです。
ラテンのリズムで作っていたので、比屋定さんの歌を何となく意識して作っていました。今回の制作が始まってから、NOVOと、ユーミンのイメージで仕上げた感じです。ソフトロック好きなところが少し出せたんじゃないかと（笑）。アウトロのフルートはBobbi Humphreyを意識してもらいました。

Ｕ：そうか、NOVOだと「白い森」（シングル・ヴァージョン（７３年））かな。「やさしさに包まれたなら」（『MISSLIM』（７４年）収録）は直ぐに分かったけど、ボッサのリズムを基調にして、グロッケンがトップで鳴っていたりと完璧な和製ソフトロックですよ。アウトロのBobbi Humphrey風のフルート・ソロは、「Blacks and Blues」（同名アルバム（７３年）収録）などを彷彿させますね。
しかし、ヒットミー（ヤマカミ）は本当に器用です（笑）。
さて、タイトル曲でラストを飾る「ナチュラル・ウーマン」ですが、アルバム中最もメロウで耳に残ります。黒さが漂うミッドテンポで、サウンド的に『TOKYO SNIPER』に収録されていても違和感がないけど、比屋定さんのヴォーカルによって更に世界観が広がりますね。

Ｔ：この位のBPMの曲は、演奏する側は大変なんですよね。ノリによってカッコ良くもなるし、ダサくもなる。Deodatoの『Love Island』（７８年）や、Kalimbaプロダクションみたいな感じでやってみた曲です。曲を作った時は、佐藤博さんの声を意識して作りました。

Ｕ：ヒントとなったのは、タイトル曲の「Love Island」や、モーリス・ホワイトとの共作でDeodato 以外のリズム隊をKalimba人脈で固めた「Tahiti Hut」あたりですね。恐らくDeodatoは「That's The Way Of The World」（同名アルバム（７５年）収録）みたいな独特のタイム感を目指していたんでしょう。佐藤博さんといえば、「I Can't Wait」（『Awakening』（８２年）収録）もこのタイム感を持っていましたね。最近ではLampの「雨降る夜の向こう」（『ランプ幻想』（０８年）収録）とか。染谷君も『Love Island』や『Awakening』が好きなんじゃないかな。
今回、アルバム・トータル的に瀧口さんが意図されたサウンド・プロダクションとして、最も心血注いだポイントはなんでしょうか？

Ｔ：制作を始めてから１年半も経ってしまったので、すっかり忘れてしまいました（笑）。
いしだあゆみとティン・パン・アレイ・ファミリー的なコンセプトで始めたので、比屋定さんのバックバンドということは意識していましたね。

Ｕ：『アワー・コネクション』（７７年）ですね。実績のあるソロ・アーティスト（シンガー）を、精鋭のロックコンボがプロデュース＆バッキングするという、そのコンセプトは成功しているのではないでしょうか。流線形のサードアルバム（１ｓｔミニアルバム含む）として、また和製ＭＢＰアーティストである比屋定さんのポップス期（？）をフラッシュバックさせる、希有なコラボレーション作品としての二面性をもっていると思います。
素材的には比屋定さんの嘗ての曲のセルフカバーと、瀧口さんのリクエストによる２曲のカバー、そしてオリジナルの３曲とバランス的にもいいです。
レコーディング中のエピソードとして、前作から引き続き参加されたバッキング・ミュージシャンの方々についてのプレイについてはどうでしょうか？

Ｔ：ドラムの（北山）ゆう子ちゃんは、女性ならではの繊細さや、歌いながら演奏している感じがいいですね。叩き方はBuddy Richみたいですが（笑）。ベースの小山（晃一）君は、程よい感じで。最後までレコーディングに付き合ってくれた山之内（俊夫）君は、天才なのですがなかなかいいプレイが出ず（笑）。鍵盤の後藤（雅宏）君は、デビュー前の比屋定さんのライヴを観ていたので感無量だったみたいです。というか、リズム隊は１年以上前に録り終わっているので、まだやっていたのかと驚いていると思いますが。

Ｕ：皆さん、手練なミュージシャン達で、さすがは瀧口さんの目に適った強者という感じがします。結果的にベーシック・トラック録音完了から１年以上という熟成期間も、俯瞰的にプロデュースする上でプラスに働いたかも知れませんね。
では最後にリリース絡みのライヴ予定についてご紹介をお願いします。

Ｔ：１１/１４にワンマンライヴがあります。レコ発ではなく、今まで出した３枚からの中からヴォーカリストを変えて、ある意味ベスト的なライヴになるかと思います。
メンバーも元オリラブの宮田（繁男）さんや、キリンジ・バンドの千ヶ崎（学）さん、相対性理論のやくしまる（えつこ）さん、美大を卒業した江口ニカさんなどなど豪華なので、お時間あれば是非！

流線形ワンマンライブ "パフォーマンス2009　NATURAL WOMAN
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